Hace un tiempo mis tíos mexicanos me trajeron de allí una fresca película llamada “Temporada de Patos“. El film, rodado en blanco y negro, se presentó en España en la Seminci de Valladolid, con un éxito relativo (los conocedores de la Seminci ya saben que las películas habladas en español de la Sección Oficial no suelen ser gran cosa). De hecho la película es una especie de tesis sobre el aburrimiento -unos adolescentes que se quedan en casa con un apagón de luz e intentan pasar el rato hasta que vuelva su madre-, así que hay que estar preparado para disfrutarla.
A pesar de mantener la acción, de forma casi teatral, en un único escenario, la fotografía en blanco y negro ayuda a evitar la sensación de claustrofobia, y algunas ideas de guión son interesantes.
Temporada e Patos (2004) / Director: Fernando Eimbcke / Guión: Fernando Eimbcke / Intérpretes: Danny Perea, Daniel Miranda. IMDB.
Lo Mejor: La fotografía, la banda sonora. Algunos momentos divertidos.
Lo Peor: Que una película sobre el aburrimiento termine siendo aburrida.
Valoración: 6,5/10
El caso es que al inicio de la película sonaba una canción que se me quedó grabada (Un Pato, de Natalia Lafourcade, versión de una canción de Joao Gilberto), y que ahora me persigue alegremente en los pasillos de la fnac y me acompaña en estos días de tedioso encierro para estudiar. [¡Me encanta el vídeo!]
^_^
Un pato,
Que va cantando alegremente
cua cua
Cuando se encuentra un lindo gato
miau miau
para cantar bossa nova
Un ganso
se entusiasmó alegremente
cua cua
para cantar hacia la gente
cua cua
Y un perrito que ahí estaba
empezó a cantar
Cuando quería ensayar
el pobre pato se desafinó
Cuchi cuchi cu
No le sale
Sus notas feas eran peor que las del gato
La voz del pato era más que un desacato
Y en la nota final lo empujaron al agua…
y se puso a nadar
Cui, cui cui cui lara la
cui cui cui, cui cui cui
Un pato
se entusiasmo alegremente
cua cua
para cantar hacia la gente
cua cua
Y les canta bossa nova
Mh mh mh-mh ah
Cuando quería ensayar el pobre pato se desafinó
Cuchi cuchi cu
No le sale
Sus notas feas eran peor que las del gato
La voz del pato era más que un desacato
Y en la nota final lo empujaron al agua
Y se puso a nadar
Cui cui cui cui
larala
Cui cui cui
cui cui cui
un pato
un pato
cui cui cui
cui cui
Entre estornudo y estornudo, cuando dejo de estudiar un rato y no salgo con el Clan Barrancas (ey, qué pasa, tío? me lo estáis pegando!) me trago alguna peli que me haga desconectar del mundo en estos días tan paradójicos en los que se supone que no tenemos tiempo libre y sin embargo hacemos más cosas que nunca. Siempre hay algo importante que hacer cuando estamos estudiando. Lo malo es que los remordimientos de conciencia te impiden hacer justo lo que te gustaría, así que te quedas sólo a medias… Vamos, que puedes tragarte una regata de la America’s Cup porque son emocionantísimas, pero no Kedar ( ) con gente igual de agobiada que tú, no vaya a ser que el sentimiento de hastío se contagie y termines por tirar la toalla y dedicarte a disfrutar…
(sic)
En fin, que en una de éstas, al margen de recuperar mi infancia con Los Gremlins (qué recuerdos… quiero un Gizmo en mi vida! Aunque… si mi madre no quiere que tenga un gato, si le llevo un bichito de estos… joooo, prometo no darle de comer después de medianoche ni darle un baño, porfaporfaporfaaaaa… creo que no cuela), al margen de recuperar mi infancia con Los Gremlins, decía, ví The Fountain (La Fuente de la Vida), la última peli de Darren Aronofsky, ese genio que tanto me sedujo en Pi o Requiem por un Sueño (aunque Laura diga que es efectista y simple). La película, que en un principio iban a interpretar Brad Pitt y Cate Blanchett, cuenta con Hugh Jackman y Rachel Weisz (grandísimos) como protagonistas, y habla de la muerte como principio creador de vida a partir de tres historias de amor situadas temporalmente en el pasado (España del siglo XVI), presente y futuro (una pompa budista en mitad del espacio).
Los tres escenarios, que fácilmente se podrían entender como muerte, vida y purgatorio, van entremezclándose con desigual resultado -el planteamiento del futuro es realmente pésimo- de forma que, al final, la pretendida carga metafísica y filosófica que Aronofsky intenta insuflarle al film termina pareciendo retórica New Age y la película pierde gran parte de su encanto.
Algunas ideas, aunque no suenan a nuevas, son muy interesantes, y la banda sonora es increíble (de nuevo, The Kronos Quartet, como en Requiem For a Dream, ahora unidos a Mogwai), pero la película se queda coja y termina siendo simple y previsible. Una pena.
The Fountain (2006) / Director: Darren Aronofsky / Guión: Darren Aronofsky / Intérpretes: Hugh Jackman, Rachel Weisz. IMDB.
Lo Mejor: El intento de Aronofsky ser el nuevo Kubrick y no encasillarse en ningún genero. La grandísima Rachel Weisz.
Lo Peor: Que termine siendo un panfleto del ideario New Age, budista incluido.
Valoración: 6/10
Además, imaginad las consecuencias de un mundo regido por el árbol de la vida eterna… si ya estamos superpoblados con los chinos… ¿qué pasaría si no muriese nadie? Y seguro que sería muy aburrido… aunque yo me apunto! I don’t wanna Die!
Al menos las novedades discográficas compensan un poco: Release the Stars de Rufus Wainwright, Hey Eugene, de los retro-cool-multiétnicos Pink Martini o The Bird of Music, de Au Revoir Simone, junto a lo nuevo de Björk o Stars.
Rufus Wainwright – Between my Legs
Pink Martini - Hey Eugene
Au Revoir Simone - I Couldn’t Sleep
Por cierto, ¡Felicidades Leo! Aunque no vinieras a la celebración de tu cumpleaños (cuidate esas fiebres…) nosotros lo festejamos por tí. ¡Y tanto!
[Felicidades también a Laura, a SmartieMart, a mi mami y a tantos otros fruto del aburrimiento de sus padres en agosto ]
Laurilla siempre anda diciendo que no entiende por qué a los góticos se les llama así, cuando el gótico es un movimiento artístico de luz y esplendor; los góticos deberían llamarse románicos.
Pues bien, últimamente me siento un pelín románico. La nueva baja que se suma a la caida de naipes de la fnac es la propia Laura, y yo estoy pensando seriamente en dejarme arrastrar por la corriente antes de lo previsto. A estas alturas de la partida, sólo se pueden proponer tablas o virar a sotavento (cómo puede ser que, con lo coñazo que parece, me haya viciado a la America’s Cup de Vela? El caso es que las regatas son divertidas y emocionantes, y supongo que me aburro un poco con K en el norte, pero eso de ver las regatas todos los días y hasta grabármelas porque estoy currando ya es demasiado…)
Todo resulta ser un poco paradójico. Como que en el Museo del Prado haya una exposición temporal de fotografías de Thomas Struth sobre visitantes anonadados mirando sus cuadros cuando han prohibido hacer fotos -incluidas las fotos sin flash- en el propio museo. ¿Será una forma de evitar que los inútiles paseantes hagan saltar involuntariamente su flash, o una excusa para ganar más dinero con las fotos oficiales?
En fin, que mientras todo esto ocurre y yo me atasco con el Proyecto de Súper-Resolución de Imágenes al menos tengo el nuevo disco de Feist acompañándome. El gran descubrimiento que me hizo Alm cuando nos conocimos (y que luego tanto nos ha perseguido) tiene un nuevo LP en la calle: “The Reminder“. Con aires continuistas, aunque sin llegar a ser tan espectacular como Let it Die, la canadiense sigue mezclando el aire indie a lo PJ Harvey con toques de chanson, modulándolo todo con su inconfundible voz. No hay tantos singles como en el disco anterior pero, en general, está muy por encima de la media de los trabajos que se publican actualmente. Se lo perdono porque sigue haciendo buenas canciones, y por lo que significa para mí, pero Leslie… el próximo disco, ¡que sea un pelín mas arriesgado!
Leslie Feist - I Feel It All
Leslie Feist - 1234 (¡qué gran vídeo, todo en un plano-secuencia!)
So, antes de despedirme (que si no Natalinska dice que esto es muy denso porque sólo hablo de pelis, cuadros y música), voy a darle la razón comentando que ayer, antes de salir infructuosamente en busca de Shun (argh), vi Monster House, una peli de animación muy divertida sobre una casa con muy mala leche que se come a los niños. En una especie de Goonies del siglo XXI -de hecho está apadrinada por Steven Spielberg y Robert Zemeckis y los protagonistas parecen directamente sacados de ahí, Gordi incluido-, me hice (aún más) niño durante un rato y lo pasé genial con las aventuras de los infantes. ¡Recomendada!
Cuando estaba en el colegio dirigí un cutrecorto con unos amigos (Gran Klan Korova y aledaños) que, inexplicablemente, ganó el premio al mejor montaje y mejor corto en el festival que se hacía entre todos los alumnos del colegio (imaginad cómo eran los otros). El caso es que pretendía ser un corto de suspense a lo Hitchcock, donde el asesino era un demente que tenía un cuarto de revelado y escribía sus obsesiones en las paredes. Sólo cuando la luz roja del revelado incidía en las paredes podían verse las pistas para resolver el crimen.
Todo esto fue antes de Seven y, por supuesto, antes de El Número 23, la película que fui a ver este fin de semana para no darle más cancha a la Piaf. Al final, en mi corto tuvimos que cambiar esa parte por cuestiones presupuestarias, y el malo sólo escondía un par de pistas detrás de un cuadro de Vasarely, pero al ver la irregular película del viernes me divirtió ver una escena similar, luz de revelado incluida. Son cosas que se te ocurren con 16 años, no en una peli de Hollywood, ¿no?
La idea ofrece posibilidades: un hombre (Jim Carrey, de nuevo en un papel serio) empieza a leer un libro con el que se identifica plenamente, y se obsesiona con el número 23 y sus infinitas combinaciones en la vida real. Como una suerte de número apocalíptico (faceta ya explotada en Lost, en la combinación 4 8 15 16 23 42), la película intenta atrapar claustrofóbicamente al espectador introduciéndolo en su paranoia para arrastrarle (tramposa, aunque previsiblemente) hasta un final que mejor será no desvelar aquí.
La película hubiera dado para mucho más si o estuviera dirigida por el ineficaz (y falto de talento narrativo) Joel Schumacher. Con una estética feista, hortera y pseudopostmodernista, la realización se hace tediosa, y sólo el guión mantiene la tensión del espectador. Soy demasiado crítico. La verdad es que me entretuvo durante dos horas y me vació la mente de estupideces expresionistas. Intrascendente.
The Number 23 (2006) / Director: Joel Schumacher / Guión: Fernley Phillips / Intérpretes: Jim Carrey, Virginia Madsen IMDB.
Lo Mejor: El guión; Jim Carrey haciendo de nuevo de actor serio. El concepto de Obsesión.
Lo Peor: La realización y su pretendida trascendencia, cuando en realidad sólo es un divertimento
Valoración: 6,5/10
El caso es que después me fui a explotar mi faceta obsesiva-voyeur fotografiando a la gente que echaba la tarde en la Plaza Mayor y el Palacio Real, y pasé una estupenda noche de papiroflexia y billar junto a K The Finest (^_^ Thanks ^_^), para terminar junto a la PolishFrancoChilena-Morataleña-Natalinska (caragüevo, menos mal que pasó Ségolène, si por no votar llega a quedarse en el camino te mato…) borrachín a las seis de la mañana. Un gran fin de semana; nuevos horizontes, obsesiones enterradas…
Y ya que el post de hoy va sobre obsesiones quinceañeras, me arriesgaré a perder unos cuantos puntos ante quien corresponda, y termino diciendo que ¡me flipa el último disco de Avril Lavigne!
Ya prácticamente lo tengo todo listo para mi viaje a París: las entradas de Damien Rice, con Ros por si el avión se retrasa, la maleta de 55×40x20 cm para no tener que facturar, la bolsa de aseo en porciones individuales de menos de 100ml y en bolsitas herméticas de menos de un litro de capacidad; las rutas cinematográficas preparadas (Amélie, Before Sunset, Los Amantes del Pont-Neuf, El Último Tango en París, el París de Godard), con los sitios importantes que visitar añadidos para no perderme nada.
Intentando completar estas últimas, el otro día vi Paris Je T’aime, una suerte de film colectivo (como ya hicieron Rohmer o Godard en plena nouvelle vague con la película “París visto por…”) en la que veinte historias se adentran en los diferentes barrios de la capital francesa, con desigual resultado.
Todas las películas colectivas suelen pecar de una irregularidad considerable. Aquí ocurre tres cuartas partes de lo mismo, pero el renombre de los directores, el gran trabajo actoral y el intento de hilar un argumento mínimamente coherente entre las historias -así como la propia belleza de París, claro- hacen que sea ligeramente superior a la media de este tipo de films.
Mientras algunos cortometrajes son prescindibles, otros -el de Natalie Portman, dirigido excepcionalmente por Tom Twyer, el de Alfonso Cuarón, rodado en un plano secuencia o el de los hermanos Cohen, que optan por los divertidos ¿tópicos? de la inherente gilipollez parisina- rozan la obra maestra.
Paris Je T’aime (2006) / Director: 20 directores / Guión: uuuuf mejor mirad IMDB / Intérpretes: Un montón, entre ellos Juliette Binoche, Natalie Portman, Steve Buscemi, Leonor Watling, Maggie Gyllenhaal o Nick Nolte, todos geniales IMDB.
Lo Mejor: La idea; que si te aburres sólo hay que esperar cinco minutos para que empiece otra historia
Lo Peor: Algunas historias son literalmente prescindibles.
Valoración: 6,5/10
Para irme habituando a hacer cosas nuevas (a expensas de volar en avión y esquiar), ayer doné sangre por primera vez (nunca me dejaban!): Todo fue bien, aunque vistas las estúpidas discusiones con Natalinska y con mis padres tal vez me han sacado el único medio litro de cosecha buena que tenía en mi cuerpo…
En fin, el sábado me voy a las 5 a.m. a Córdoba para la boda de mi primo, y prácticamente enlazo con París hasta el viernes, así que no creo que vuelva a escribir por aquí en un tiempo. Para la fish-memory girl y aquellos que entren -por error, o no- por aquí en estas fechas, aquí dejo un par de canciones…
I’m Gonna Miss U… A Lot a Lot
Pink Martini – Sympathique (qué pena que se haya hecho tan conocida…)
Nocturno Amor – De la BSO de “Los Amantes del Círculo Polar“
“¿Tú conoces algo que dure siempre?”
Esta noche me desperté varias veces. El viento susurraba entre los marcos de las ventanas, y me olvidé de dejar la mía abierta para que entraras. Mi habitación da a un patio interior, y aunque es azul no tiene la luz necesaria para convertirse en Arte(qué gran blog descubierto por casualidad… por cierto, ¿qué diferencias prácticas hay entre descubrir por casualidad y descubrir de casualidad?)
“Estoy esperando la casualidad de mi vida… la más grande”
El caso es que esta mañana la luna del mediodía conspiró para despertarme. Vivo en un segundo y sin posibilidad de que la luz del sol entre en mi habitación, pero esta precisa mañana un par de rayos se han conjurado para magnificar su naturaleza onda-corpúsculo y, rebotando en las ventanas de mis vecinos, han decidido bajar hasta la mía y dorarme la cara hasta que abriera los ojos. Cuando desperté estaba enredado en mi almohada, sin brazos.
Sin abrazos.
“Estar enamorada no es facil. No basta con desearlo, hay que oírlo”
“Estas noches te espero, mirando al sol. ¡Venga, valiente! Salta por la ventana…”
“Pensamientos al azar sobre el día de San Valentín de 2004: Es una celebración inventada por los fabricantes de tarjetas de felicitación, para que la gente se sienta como una mierda. Hoy no he ido a trabajar, he cogido el tren a Montauk. No sé porqué, no soy una persona impulsiva.”
Así comenzaba una de las películas que más me han marcado los últimos años, Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Olvídate de mí!). La gente que me conoce ya está hasta las narices de que les hable de esta peli, pero a partir de ahora podré divagar sobre su lado oscuro y dar el coñazo con La Science des Rêves/The Science of Sleep/La Ciencia del Sueño, que vi en patrulla con la gente de la fnac mientras el maléfico martes y 13 se despedía a carcajadas y le hacía cosquillas a My Bloody Valentine. No es trivial poner los títulos originales en francés, inglés y español, porque el protagonista de la película es un mexicano en París que usa el inglés para entenderse con la gente (soooo, Versión Original Obligatoria!).
Gael García Bernal explota la comicidad de un personaje que no diferencia entre los sueños y la realidad, mientras Charlotte Gainsbourg está simplemente espléndida aguantando a este paranoico con demasiada imaginación (a quien yo me sé le debería sonar…). La película, más que parecida, es totalmente complementaria a Olvídate de Mí!; si aquella hablaba sobre la destrucción de una relación, ésta trata sobre la creación del desastre. Con un ritmo mucho más francés, más cercano al videoarte, la película es una gozada artesanal que sólo un par de veces se le escapa de las manos al grandísimo Michel Gondry (se nota la ausencia de Charlie Kaufman al guión).
Aunque algo más hueca e imperfecta que el anterior film de Gondry, ésta deja por el camino un montón de secuencias inolvidables (la máquina del tiempo, el agua de celofan…), ideas increíbles (las nubes resonantes, la receta de los sueños) y una banda sonora que se clava en el pecho (especialmente la versión de Rescue Me, una de las grandes olvidadas de la factoría de The Velvet Underground). En fin, que no es una película para todos los públicos (abstenerse las ratitas no fantasiosas), pero a las Amélie psicóticas como yo les gustará ver tal despliegue de imaginación.
(Versión de Rescue Me para la película The Science of Sleep)
The Science of Sleep (2006) / Director: Michel Gondry / Guión: Michel Gondry / Intérpretes: Gael García Bernal, Charlotte Gainsbourg IMDB.
Lo Mejor: Los sueños artesanales, la imaginación y el romanticismo que despide la película
Lo Peor: Que el factor fan me impida valorar algunos huecos oscuros de guión.
Valoración: 9/10
Además, lo de Olvídate de Mí viene al caso, ya no sólo porque San Valentín sea una fiesta inservible que sólo quiere recordarnos a los románticos solitarios lo que melancólicamente hemos perdido (sic, y este año más que nunca), sino porque justo el día anterior volví a maravillarme con Kate Winslet, esta vez enLittle Children. Salía de entregar el videomontaje de una orquesta de pueblo (sí, es patético, así que no hablaré por aquí de las vaqueras cantando Abba, el dinero es el dinero…), y me metí al cine sin esperar ver mucho. Salí acongojado. Con una interpretación que bien merecería un Oscar (aunque se lo llevará Hellen Mirren), Kate Winslet lidera una historia de infidelidades en las que todos los personajes juzgan a un pervertido sexual que acaba de salir de la cárcel mientras nadie (salvo los espectadores, tal vez) les juzga a ellos. Una cruda historia que merece ser meditada.
Little Children (2006) / Director: Todd Field / Guión: Todd Field / Intérpretes: Kate Winslet, Jennifer Connelly IMDB.
Lo Mejor: El sólido guión y las interpretaciones.
Lo Peor: En determinados momentos se hace un pelín larga
Valoración: 8/10
Privado de la opción de robar besos por San Valentín, con migraciones pantumaqueras y fríos del Este azotando mi subconsciente; con falta de sueño (que no de sueños) y con el nudo en el estómago perpetuo, que ya empiezo a confundir con el hambre a falta de una mirada que echarme al pecho, pasaré los días tocando acordes resonantes y bebiendo agua de celofán. Puede que algún día pueda dejar de usar la máquina del tiempo para recordarte… O para olvidarte.
I’m Just Looking for Parallel Synchronized Randomness…
Ayer fui al teatro a ver Oco, una obra pequeñita pero de altos vuelos. A las 21.30 salimos del curro y algunos corrimos en manada para recoger las entradas, porque Javi actuaba en ella. No sé la de veces que nos ha dicho que es actor y que ha salido en Hospital Central, pero yo no me lo creía, no le veía interpretando. Y cuando me dijeron que hacía de barrendero y que se mediodespelotaba en el escenario mucho menos. ¡Eso había que verlo!
La pieza, un montaje precioso sobre la incomunicación y el conformismo, estaba acompañada por música de Satie interpretada en directo por dos actores que, a los lados del escenario, blanden una guitarra y un bajo. Coreografiada con mucho gusto, diversos personajes conformistas van entrelazándose en situaciones divertidas con pasajes de ruido urbano que dicen más de lo que parecen.
La verdad es que me sorprendió. Al margen de Javi (y su afan de ser Harry Potter engayumbándose en el escenario en una de las mejores escenas de la obra), con un montón de registros que cambian casi imperceptiblemente, los actores están muy bien; sobre todo la única chica que les acompaña, un pedazo de actriz de tomo y lomo. Es una pena que compañías pequeñas como ésta (Teatro Ensalle, una gallega) no sean conocidas por el público, mientras espectáculos como Mamma Mia llevan 2 años en cartel (no debería ser incompatible una cosa con la otra, ¿no?). En fin, una gozada. Y una frase, “me gusta recordarte por lo que no eres”.
Por otro lado, el otro día vi C.R.A.Z.Y. Todo el mundo me la había recomendado (incluida Alm, pero no tiendo a hacerle mucho caso…), así que me la compré y, simplemente, me encantó. Es cierto, soy muy facilón en el momento en que una buena banda sonora se entrelaza con el argumento y hay un par de secuencias visualmente atractivas (véase Alta Fidelidad, Casi Famosos, Moulin Rouge…), pero el guión es, salvo diez minutos que no cuadran mucho con la ambientación del film pero que se hacen necesarios, simplemente brillante.
C.R.A.Z.Y. (2006) / Director: Jean-Marc Vallée / Guión: Jean-Marc Vallée y François Boulay / Intérpretes: Michel Côté, Marc-André Grondin IMDB.
Lo Mejor: La mexcla entre la banda sonora y las imágenes, y la perfecta ambientación de las escenas. El crudo guión. La escena de Bowie
¡Acaban de llegar directas de París las entradas para el concierto de Damien Rice!
La verdad es que todo ha sido muy rápido: El cumpleaños de Ros es el 20 de marzo, así que cuando me enteré de que Damien actuaba el 19 en París decidí que debía dejar mis prejuicios y miedos en casa e irme a visitar a la Erasmusera. Sin embargo, cuando nos enteramos de que a principios de enero ya no quedaban entradas para el concierto estuvimos a punto de cancelar el viaje, dejarlo para otras fechas. El Destino estaba de nuestro lado y, la semana pasada, vi que en ebay habían salido en reventa (15€ más caras, claro). Compré 2 el mismo día que reservaba el vuelo para allí. Hoy, sólo 5 días después de la transacción, un sobrecito de plástico ha llegado a mi casa con el valioso tesoro.
Y así, con un nudo en el estómago, pasito a pasito, el apocalipsis parisino se acerca.
Ahora el mayor problema es saber si mi primer vuelo en avión (acojonado toy) será un desastre o no; se supone que aterrizo a las 15.30 en París (al CDG), con tiempo más que suficiente para dejar las maletas en casa de Ros y llegar al concierto en el Grand Rex a las 19.30. Pero como se retrase un poquito…
En fin, que estoy más contento que Marie Antoinette con sus Converse nuevas. Y es que en un momento de la película de la Coppola, cuando Kirsten Dunst está probándose orgiásticamente millones de zapatos, aparecen unas Converse actuales en el fondo del plano. Este detalle, junto a la espectacular banda sonora de la película con canciones pop actuales para recrear la historia de la diva austroparisina (junto a la de Little Miss Sunshine, de Devotchka, la mejor OST del año) y a un diseño de producción cuidado y atractivo es el que consigue que no queramos quemar todo el metraje de Marie Antoinette para borrar sus fotogramas de la faz de la tierra, tanto como los de la directora actuando en El Padrino III.
Soy un jacobino radical; la película no es tan mala, entretiene y está bien realizada, pero viniendo de la Obra Maestra que es Lost in Translation la Coppola ha patinado. Fallos de raccord (el micrófono o la escena al amanecer que contaba ayer), errores históricos… al final la directora se enamora tanto del personaje que… ¡Ni siquiera le corta la cabeza!
Marie Antoinette (2006) / Director(a): Sofia Coppola / Guión: Sofia Coppola / Intérpretes: Kirsten Dunst, Marianne Faithfull IMDB.
Lo Mejor: La ambientación en el palacio de Versalles, el diseño de producción, la banda sonora.
Lo Peor: Que a Sofia Coppola se le escape de las manos una historia demasiado ambiciosa, sin ningún rigor histórico.
Valoración: 6/10
El film que por ahora más me ha impresionado en las últimas fechas es un prodigio metanarrativo a lo Charlie Kauffman en Adaptation u Olvídate de Mí. Se trata de Más Extraño que la ficción, una película en la que un hombre empieza a escuchar en su cabeza una voz que narra todo lo que hace, y para cuando se da cuenta de que es el personaje de una novela descubre que la escritora planea matarlo. En la línea de la idea que desarrolló Unamuno en Niebla, la película proporciona algunos ratos imprevisibles, actuaciones colosales (qué raro, hasta Will Ferrell está bien!) y un gran guión en el que se pide la participación del espectador: si no se entra se puede desmontar en un santiamén.
Stranger Than Fiction (2006) / Director: Marc Foster / Guión: Zach Helm / Intérpretes: Will Ferrell, Maggie Gyllenhaal, Dustin Hoffman, Emma Thompson IMDB.
Lo Mejor: El guión y la interpretación de Emma Thompson
Lo Peor: Algunos momentos demasiado simples para el complejísimo articulado interior de la película.
Valoración: 8,5/10
Al margen de estos dos films, y para no aburrir con conclusiones precipitadas sobre El Laberinto del Fauno (demasiado lineal, previsible y trillada para el espectador, que sólo ha de dejarse llevar por la fantasía visual de su director) y El Perfume (una buena adaptación, con momentos brillantes en el tratamiento de los olores y otros menos inspirados, como los de la orgía final), ayer vi The Prestige, y escribí aquí sobre ella, pero sin dejar una opinión formada.
Tras haberla reposado lo suficiente, y teniendo siempre en mente que el director es el del rompecabezas de Memento, he de decir que la película se ve con gozo, como el de un niño absorto por un truco de magia que no comprende. Visualmente deslumbrante, con una tensión narrativa estructurada como los tres pasos de un truco de magia, el film se ve, sin embargo, dañado de muerte en su parte final, la más importante, la que supuestamente ha de dejarnos boquiabiertos. En su afán de no dejar pistas falsas al espectador, y empeñado en la utilización de flashbacks para que nadie se pierda la acción, el director muestra los hilos que mueven la historia, y el espectador ha descubierto gran parte del truco antes de que ocurra en pantalla. Sin embargo, si somos niños por un rato y nos dejamos llevar, El Truco Final se ve con sorpresa y admiración. ¡Mención especial para el camaleónico David Bowie!
The Prestige (2006) / Director: Christopher Nolan / Guión: Christopher y Jonathan Nolan/ Intérpretes: Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Cane, Scarlett Johansson IMDB.
Lo Mejor: El repertorio visual y la estructura de guión.
Lo Peor: Que Nolan se empeñe en emplear flashbacks para recordarnos cosas que ya han quedado claras. El alargado final.
La promesa: El mago muestra algo ordinario, pero, como es de esperar, probablemente no lo sea.
El Giro: El mago hace que ese algo, realice algo extraordinario.
El Prestigio: Es la parte en la que ves algo que jamás has visto antes.”
He perdido la costumbre de escribir sobre ti. He perdido el tiempo, me he desencantado. He descubierto el truco.
Hace más de un mes que no escribo por aquí. Mi primera idea tras los métodos espiritistas del maestro Nikola Tesla era la de hacer una lista con lo mejor del 2006 (discos, pelis…) y asociarlas a momentos personales vividos para realizar un resumen de mi año. Sin embargo, por mi espíritu cuadriculado, utilicé el método científico intentando abarcarlo todo. Re-escuché casi todos los discos que habían supuesto algo para mi este tiempo, hice recopilatorios de las mejores canciones, revisité muchas películas intentando encontrar aquella que se me había escapado durante el año. El resultado: pasó casi todo el mes de enero y aún no había escrito nada. Un sinsentido.
Por el camino comencé el proyecto fin de carrera (la superresolución no es tan fácil como en Alias, amigos), decidí continuar en la fnac (y morirme de pena por todas las bajas de navidad), se entregaron los Globos de Oro y los Goya (este año no gané la quiniela), Hingis volvió a sucumbir contra Kim en los cuartos de final del Open de Australia (círculos déjà viciosos); se rompió una cama mientras dormía (quizás por el mal karma que intentaba contagiar a mis tíos mexicanos), pasé una nochevieja surrealista, visité una ¿malinterpretada? exposición de Moreau, planeé un viaje perfecto a París (concierto de Damien Rice incluido) y decidí buscar el calcetín de Cenicientalia en sueños.
Nunca me han gustado los fallos de raccord en las películas. Ese vaso que en un plano está medio vacío y en el siguiente está completamente lleno. No seguí escribiendo porque no había motivo, no había continuidad entre una historia y otra. Mi hada, mi musa, no me lo había pedido; no tenía fuerzas para seguir. En estos tiempos de fallos de raccord (esa secuencia al amanecer con el sol saltarín en Marie Antoinette, los micrófonos bailarines de la susodicha (¡En Versalles!) y de Más Extraño que la Ficción), todo tiene que ser perfecto.
Por eso, mientras esta noche veía The Prestige (El Truco Final), y David Bowie (¡Irreconocible!), encarnando a Nikola Tesla, cedía una de sus invenciones eléctricas a los magos, decidí que era la señal. La Promesa.
El Giro: Ahora, con la nueva obra maestra de Kristin Hersh (la hermanastra de Tanya Donelly) en mis oídos, puedo retomar esa lista de lo mejor del 2006, reduciéndola a la mínima expresión, a la decimotercera clave de El Perfume (porque siempre me dices que no sé esencializar y ya sabes que he de llevarte la contraria).
En cuanto a las películas, poco hay que decir. Little Miss Sunshine se las lleva de calle a todas, mientras que con la música hay mucho donde elegir. Arriesgándome, puedo decir que lo mejor del año se encuentra en “Ys”, de Joanna Newsom, en Jim Noir, Bob Dylan y Regina Spektor.
El Prestigio: Nada tiene sentido si, en un truco de magia, el objeto de deseo desaparecido no vuelve a escena. Así que, sin polvos de magia serbia, sin voilàs o abracadabras, te resucito en mi mundo para que puedas sobrevolar los vítores del público. Al menos mis aplausos. No sé dónde está el truco. Lo volviste a conseguir.
Arizona Dream(1993) / Director: Emir Kusturica / Guión: David Atkins, Emir Kusturica / Intérpretes: Johnny Depp, Jerry Lewis, Faye Dunaway, Lili Taylor, Vincent Gallo. IMDB.
Hace poco salió en DVD una película hasta ahora no editada de Emir Kusturica: Arizona Dream. Se trata de la única película rodada en inglés por el cineasta/músico serbio, con un repartazo de lujo. Johnny Depp, jovencísimo, está sobrio y elegante, y junto a Vincent Gallo y Jerry Lewis conforma un trio de gran efectividad cómica. Faye Dunaway y Lili Taylor, como la cara casi idéntica de dos monedas diferentes, simplemente soberbias. Cada día me asombra más el extraordinario abanico de registros de Lili, consiguiendo colarse en muchas de mis películas favoritas (High Fidelity, Short Cuts, Say Anything…, Cosas que Nunca te Dije, Factotum…)
Tenía miedo de verla; los saltos a Hollywood de cineastas tan particulares suelen ofrecer subproductos mainstream para que los pueda digerir el gran público.
No pasa con ésta. Todo el imaginario de Kusturica, desarrollado posteriormente en películas como Gato Negro, Gato Blanco, Underground o La Vida es un Milagro, permanece intacto. Con un contenido eminentemente onírico (el sueño del esquimal, el pez con los dos ojos en el mismo lado, los coches apilados hasta la luna) se va desarrollando un triángulo amoroso con múltiples tintes cinéfilos (el hilarante homenaje a Con la Muerte en los Talones) y guiños al surrealismo más absurdo.
La película, denostada en USA (donde sólo se proyectó en unos pocos cines por ser demasiado Europea), tiene banda sonora de Goran Bregovic e Iggy Pop y un guión sorpresivo que no da tregua al espectador. Saltando de la comedia a la tragedia sin descanso, el film consigue que, como en todos los de Kusturica, la vida parezca un milagro. A pesar de todo.
Lo Mejor: Prácticamente todo; el guión, los intérpretes, la música, el imaginario de Kusturica y que no se bajara los pantalones al volar a Estados Unidos
Lo Peor: Que aún haya películas del cineasta serbio sin editar en España
Robert Altmanme llegó tarde. Nunca vi M.A.S.H, ni sus inicios junto a Hitchcock en la serie de TV Alfred Hitchcock Presenta. No pude ver su etapa de decadencia posterior, donde multitud de voces críticas decían que era el Lazaroff del cine, siempre grabando con teleobjetivo y comprimiendo todas las perspectivas.
A mi Altman me llegó en el ‘92, justo cuando me empezaba a gustar el cine, con El Juego de Hollywood. Ahí se conformaba su nuevo tipo de cine, siempre marcado por unos guionistas excelentes que lanzaban, en historias de muchos personajes, dardos dialécticos a gran velocidad. Ese fue el preludio de su siguiente Gran Obra, la que me rindió ante él, Short Cuts, un compendio de historias aparentemente independientes que se cruzan al estilo que luego adptarían Magnolia o Crash.
El autor de Cookie’s Fortune o Gosford Park siempre ha tenido un especial interés por la música en sus películas, con bandas sonoras de Tom Waits o buen jazz. Esa pasión por la música y la danza le llevó a realizar una de sus últimas películas, The Company, una buena historia sobre una compañía de ballet producida por Neve Campbell (sí, aunque parezca mentira, la de Scream fue bailarina y se emperró en hacerla).
Cuando le dieron el Oscar Honorífico, Altman bromeó con un transplante de corazón que le hicieron, de una mujer de 30 años: “Este Oscar me llega demasiado pronto.Haciendo cuentasaún me quedan otros cuarenta años de vida.”
El pasado 20 de Noviembre, a los 81 años, Robert Altman ha muerto. Aunque irregular en la mayoría de sus películas, Altman siempre ha tenido pulso para realizar algunas buenas obras, aunque ninguna como su plan de dominar el mundo antes de hacerse cineasta, mientras trabajaba de tatuador de perros(!!!).
Obviamente, su empresa quebró. Los setenta no eran tan punks.
Amelie:
The Player(1992) / Director: Robert Altman / Guión: Michael Tolkin / Intérpretes: Tim Robbins, Greta Scacchi, Whoopi Goldberg. IMDB.
Short Cuts(1993) / Director: Robert Altman / Guión: Raymond Carver y Robert Altman / Intérpretes: Andie MacDowell, Jack Lemmon, Lili Taylor, Julianne Moore. IMDB.
Cookie’s Fortune(1999) / Director: Robert Altman / Guión: Anne Rapp / Intérpretes: Glenn Close, Julianne Moore, Liv Tyler. IMDB.
Gosford Park(2001) / Director: Robert Altman / Guión: Julian Felowes y Robert Altman / Intérpretes: Maggie Smith, Michael Bambon, Kristin Scott Thomas. IMDB.
The Company (2003) / Director: Robert Altman / Guión: Neve Campbell y Barbara Turner / Intérpretes: Neve Campbell, Malcolm McDowell. IMDB.
Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan (2006) / Director: Larry Charles / Guión: Sacha Baron Cohen y Anthony Hines / Intérpretes: Sacha Baron Cohen, Ken Davitian. IMDB.
M.B.:
Ayer se estrenaba en España la película que está haciendo furor en medio mundo (y cabreando al otro medio): Borat. Para verla, nos juntamos 12 personas (incluido Wiki, al que llamamos así por otra de las creaciones de Sacha Baron Cohen, Ali G) en la sesión golfa, en una especie de recreación de los Gremlins viendo Blancanieves.
Amelie:
Borat es el sexto hombre más conocido en Kazajstán. Con la premisa de hacer un documental para enseñar la cultura americana en su país, Borat viaja a E.E.U. y U. disparando millones de gags y secuencias hilarantes.
(¡Por Dios, id a verla en versión original!)
Desde la presentación del pueblo kazajo y sus costumbres (con el encierro del judío, una suerte de san fermines donde los judíos son los perseguidores) sabemos que lo que va a pasar ante nuestros ojos en la próxima hora y media va a ser, cuanto menos, grotesco.
Filmado a caballo entre el falso documental y la cámara oculta, esta suerte de personajillo a lo Torrente, machista y antisemita, va descolocando a cualquier estadounidense con el que se cruza. Sin tregua para borrar la sonrisa de la cara, Borat se enamora en su viaje de Pamela Anderson tras verla en los Vigilantes de la Playa, y decide ir a California para conocerla y… casarse con ella.
Y así, con música de Goran Bregovic de fondo, empieza una road movie con toques a lo Michael Moore más Kusturicado, con multitud de secuencias bizarras. El único problema de una de las más locas y divertidas películas que he visto en los últimos tiempos es que la acumulación de gags hace que la segunda parte pierda el elemento sorpresa y parezca (porque no creo que lo sea) algo peor. Antológico: el himno de Kazajstán en los títulos de crédito.
En definitiva, una película fresca y muy recomendable, para entrar en el juego y reirnos de todo lo que nos rodea.
Lo Mejor: El personaje creado por Sacha y prácticamente todas las situaciones surrealistas que provoca.
Lo Peor: Que el bosque de gags no permita ver, por saturación, las ramas de sutilezas que tiene el film.
Ayer ví una película que me horrorizó y me fascinó a partes iguales. Tiene un aire retro y me hizo recordar mis tiempos de nerd en el colegio. Se llama Napoleon Dynamite y fue uno de los bombazos para crítica y público en EEUU en 2004.
GurbETe:
Año 2004: La empresa Mattel anuncia la pesaración de Barbie y Ken después de cuatenta y tres años de relaciones. En Madrid, se procude la matanza del 11-M. Mueren, además, el gran compositor Jerry Goldsmith y Jesús Gil (y Gil), así como Cartier-Bresson.
Loida:
¡Ah! Henri Cartier-Bresson es un gran fotógrafo francés, quizá el pionero del fotorreportaje (y también (sic) del periodismo del corazón) gracias a sus instantes robados, sus imágenes a hurtadillas (“images a la sauvette”).
Tuvo oportunidad, además, de fotografiar a personajes ilustres como Matisse o Picasso.
Amelie:
Napoleon Dynamite (2004) / Director: Jared Hess / Guión: Jared Hess y Jerusha Hess / Intérpretes: Jon Heder, Jon Gries, Aaron Ruell, Efren Ramírez, Diedrich Bader, Tina Majorino, Haylie Duff.
Napoleon Dynamite no admite término medio: o te repugna o la amas. Se trata de una película extraña, una auténtica rareza del cine indie americano. Con aire de comedia adolescente, Jared Hess diseña un mundo orgánico lleno de personajes a cada cual más raro que consiguen nuestro cariño inmediato.
Las líneas de guión no están establecidas claramente; tan sólo se trata de seguir las vivencias de este grupo de inadaptados sociales, perdedores que intentan triunfar sobre la sociedad establecida. Desde la familia del protagonista (su hermano de 32 años que pasa todo el día intentando ligar por internet o su tío, siempre con alguna artimaña que venderle al mundo) hasta sus compañeros de clase (el latino inadaptado que se presenta a presidente estudiantil o la tímida freak fotógrafa), todos los personajes están vivos y realizan acciones tan vergonzantes (la escena de las croquetas en el bolsillo del protagonista) como divertidas.
La película tiene un aire retro, como de años ochenta, aunque en realidad no está ubicada en ese espacio temporal (lo que desorientará a algunos). Las escenas tópicas con bailes de fin de curso y elecciones escolares están aquí claramente justificadas, aunque quizá pequen un poco de inocentes, pues nunca sabes por dónde van a salir los personajes.
Como rara avis que es, Napoleon Dynamite debería ser vista con ojos curiosos, esperando sumergirse en aquel mundo de traumas olvidados de la juventud escolar.
Lo mejor: El aire retro y las ocurrencias disparatadas del guión.
Lo peor: Que algunos le peguen la manida etiqueta de comedia adolescente.
Valoración: 7/10
Loida:
Además de unos créditos iniciales que podrían entrar en los anales de la Historia del Cine y de un curioso epílogo tras los créditos finales, podemos ver en esta peli a Tina Majorino (y su coleta ladeada), más conocida por su participación en la serie Veronica Mars.
) con gente igual de agobiada que tú, no vaya a ser que el sentimiento de hastío se contagie y termines por tirar la toalla y dedicarte a disfrutar…
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